Salvador Dalí como nunca / Dalí 2.1 exposición que reúne en Ciudad de México tres décadas de creación del pintor catalán

La muestra será inaugurada este 11 de mayo, con un aforo controlado y estrictos protocolos sanitarios en la Sala Daliana del Centro Comercial Santa Fe

Por primera vez, se reúnen y presentan juntas 250 piezas originales del artista plástico

Destaca la experiencia digital que podrá experimentar el público, con realidad aumentada

El desierto Salvador Dalí

Miguel G. Galicia

Una noche cualquiera Dalí "se desdibuja, tirita su burbuja al descontar latidos". Sabe que se desdibuja como un cuadro deslavado, arruinado en un principio; sin embargo, ese fenómeno que lo consume, lo convertirá en otro cuadro, acaso aún más grande que es él mismo en su paso a la posteridad, domicilio conocido para él, habitado por él desde décadas previas. No lo sabe pero un día de pandemia en este planeta de sus sueños, alguien reunirá casi 300 cuadros y obras originales que el hijo de Cadaqués realizó con toda su genialidad y locura, no para crear una exhibición única en Ciudad de México, —que será itinerante—, sino para darle un respiro a quienes pretendan salir del horror de una enfermedad peor que la peste negra, el Covid-19: el encierro.

Perfil del tiempo

"Dalí 2.1" recoge al menos 250 destellos del artista plástico a partir del 11 de mayo, justo cuando el catalán cumple 117 años, que serán montados en una "Sala Daliana", creada ex profeso en el Centro Comercial Santa Fe.

Han dicho quienes idearon este proyecto, que también será llevado a Guadalajara, Monterrey y Mérida en los próximos meses hasta diciembre de este mismo año, que el esfuerzo ha sido titánico, lúdico y aventurero, que tardó año y medio desde su concepción hasta la puesta en museo.

Elephant du Triomphe 

¿Retos? Todos, pues los tiempos pandémicos exigen esmero diligente y acucioso en la logística. Adaptación de espacios, iluminación, dineros, apoyos, patrocinios, licencias curatoriales. La figura y trascendencia de Salvador Dalí lo merecen, dado que hasta ahora no ha habido una exhibición de tal envergadura en estas latitudes: todo ha sido organizado, consultado, rectificado, ratificado por teléfono, todo por videoconferencia, por mensajeo. La Tecnología al servicio del arte.

Y es gracias a los avances técnicos que los espectantes podrán hacer uso de sus dispositivos y demás artificios dispuestos para ello, realidad aumentada, a fin de lograr generar una experiencia vívida, con casi todos los sentidos.

Coronación de Gala

Los neófitos y los expertos podrán seguir la ruta trazada por el curador Ignacio Shanahan, quien ha compartido lo que significa todo este esfuerzo colectivo que explora una nueva forma de presentar obras plásticas dalinianas: Se conjugan arte y fanatismo; decenas de personas, artistas y técnicos se sumaron a la causa de Dalí 2.1, solo por el gusto de agregarle "una capa digital" a la muestra, de saberse parte de algo tan importante.

Torso de venus

Así, los organizadores prometen un recorrido de 1950 a 1981, con todos los protocolos sanitarios, horarios escalonados y precios asequibles. Todo Dalí en tres décadas, y un pelín, de creación.

Alicia en el País de las Maravillas

El Dalí que hizo de la plástica su extensión física, espiritual, psíquica, onírica, ególatra, sexual, pueril,  surrealista, genial, que realizó sus piezas en esos años, es el mismo que veremos en CDMX entre el 11 de mayo y el 30 de junio; el que llegado el momento descontaba latidos, que se decoloraba y era engullido por la muerte un día de 1989 con todo y su genio, como dice Mecano; y es el mismo que ahora en época de enfermedad, locura, distopía y muerte, abre sus fauces en las que nos arrojaremos por puro puto placer, a sabiendas de que es el hocico sin fondo de ese animal plástico, de mil ojos, Vishnu, Brahma y Shiva del arte, bestia dodecaédrica que es Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech.

Fotos Cortesía: Zignia Live

Erik Rivera: toda mi obra son como estampitas o ilustraciones de un cuento infantil o un álbum

El artista plástico mexicano presenta STAR WARS un tributo en el STC METRO de la Ciudad de México Más de 10 óleos y bocetos en los que el pintor representa a los principales personajes de la saga, en la estación Salto del Agua durante mayo y junio

Miguel G. Galicia Erik Rivera es un pintor/diseñador mexicano (Ciudad de México, 1979) con múltiples exposiciones a lo largo del país, recurrente expositor en las vitrinas del STC Metro, creador de los carteles del Festival de Cine MIX y ganador del concurso del cartel “Colección que inspira” del Museo Franz Mayer en 2020, y ahora presenta Star Wars un tributo de una saga que, cuenta él mismo, fue su primer recuerdo. Tomado de la mano de su madre, llegó al cine y quedó impactado de tal manera, que al pasar el tiempo ha descubierto una lección: puede "vencer el miedo".
Sin inauguración oficial, debido a la pandemia Covid-19, este artista mexicano, esta serie de más de diez óleos y bocetos sobre el universo creado por George Lucas para conmemorar el 4 de mayo Día Internacional de STAR WARS (May the 4th be with you), será expuesta durante mayo y junio en las vitrinas del transbordo de la estación Salto del Agua del STC Metro de la CDMX.
En entrevista, el creador aborda sus motivaciones, y destaca que esta propuesta plástica es una respuesta orgánica directa a la tecnologización que se vive en la actualidad.

—Veo un espíritu lúdico en esta colección, ¿de qué manera vive hoy en día su conexión con su niñez?
—Trato de vivirla o revivirla todos los días, como un hábito, en muchos sentidos me orienta, recuerdo quien quería ser o cómo quería ser; analizarla me hace entender el porqué reacciono, como reacciono de adulto, no solo es una mirada melancólica hacia atrás, es una disciplina emocional de reforzamiento de ti mismo. Infancia es destino, y si hay que cambiarlo, tienes primero que entender la infancia en tu caso, en cada caso. Y finalmente la pintura es un juego que me mantiene en contacto siempre.
—Estas obras parecen ser un espejo para el adulto que vivió la época de los álbumes, ¿ese era su objetivo?
—Sin duda, la infancia y el arte te permite retomar cualquier tema sin que el análisis y el choque sea tan violento, la idea es conectar precisamente con el niño interior del adulto espectador.
Toda mi obra son como estampitas o ilustraciones de un cuento infantil o un álbum. Digo que pinto estampitas de vida. Esa es la vida un álbum de estampitas.

—Infancia es destino, brevemente explique si ese precepto aplica en usted
—Aplica a todos en general, en la infancia encuentras la llave del amor, del dolor, de la pasión, etcétera, de toda una vida. El cómo aprendiste a entender todo incluido tu mismo, y cómo percibes todo.
Muchas veces son percepciones que no cuestionas o que son completamente inconscientes y otras veces ni siquiera tienen que ver contigo, simplemente las tomas y las llevas cargando. Cuando esos introyectos chocan con tu verdadera personalidad o resultan muy pesados para cargar, es cuando hay que regresar a la infancia para desactivarlos.
— ¿Podríamos pensar que su propuesta estética en esta colección es una respuesta ante tanta tecnología?
—No lo había visto como una respuesta directa; pero sí, es una respuesta un tanto orgánica, son piezas que a primera vista pueden estar conectadas con la masividad visual que vivimos, ya todo es caricaturizado, pero (en este caso) ninguna está producida con tecnología, todo es lienzo, óleo, pinceles y solo existe una obra original. Podría ser una manera sutil de evocar al trazo, al error, la desproporción, no estoy interesado en proyectar una imagen perfecta, una foto y luego calcarla y rellenarla con color. El realismo o hiperrealismo es completamente mecánico, me aburre.

— ¿Cómo fue que llegó a este punto en el que combina lenguajes estéticos?
—El arte en general es una combinación de muchas referencias y lenguajes, mezclo mis referencias favoritas, en este caso de Star Wars hago un sincretismo entre el arte medieval, renacentista y barroco, con ciencia ficción del cine entre dos siglos, que aparentemente no tendrían nada que ver. El universo entero de Star Wars está nutrido de un sinfín de referencias de todas las culturas y épocas de la historia de la humanidad en un universo "paralelo" en una galaxia muy lejana, el irlas conectando con su correspondiente en la historia humana me atrae muchísimo.
— ¿Cómo fue el proceso de curaduría?
—Más que un curador o curaduría, fue la elección de los personajes y sus referencias. Viví con los personajes de la primera trilogía desde niño, los jugaba, los dibujaba, los evocaba. Era importante para mí que estos personajes fueran los primeros. Esta serie está lista desde finales del 2019, por la pandemia Covid, fue imposible presentarla antes. Hay un texto introductorio que me hizo Luis Roiz especialista en cine de ciencia ficción y terror y gran fan de Star Wars. Estaba más interesado en presentarla que en hacer propiamente que un curador la presente. Aunque no estoy cerrado a que eso pase posteriormente.
—El mundo Star Wars es vasto, ¿veremos más pinturas en el STC Metro, en otro sitio?
—Yo espero que sí, este año continúe pintando algunos personajes de Star Wars, así que la colección puede crecer en tamaño de piezas y en proyección hacia el público. El Metro te da una cantidad de público voluntario o involuntario que no te da ningún otro lugar en la ciudad. Tengo cuatro exposiciones en el Metro desde el 2009. Invariablemente regreso al Metro.

— ¿Puede contarme cómo fue y qué ocurrió en usted la primera vez que vio una película de la saga?
—De hecho es probable que "haciendo cuentas" sea el primer recuerdo que tengo en la vida entera, son más emociones que imágenes, tendría cuatro años cumplidos, recuerdo haber entrado a la sala de cine con la película empezada, de la mano de mi mamá y de mi abuelo, nos tocaron asientos muy pegados a la pantalla, de pronto apareció Jabba The Hutt y me espanté muchísimo, recuerdo haberle pedido a mi mamá que nos fuéramos estaba petrificado en el asiento, al final me compraron un Luke Skywalker con la espadita fluorescente a la salida del cine; ahí se selló todo, ya después vinieron los juguetes, las películas en BETA o VHS, porque mis primos mayores también eran fans de Star Wars. De hecho fui con uno de ellos a la expocoleccionistas hace un par de años. A la fecha tengo un Jabba The Hutt en mi escritorio, junto a la computadora, me recuerda que puedo vencer el miedo.
Credito de las fotos: cortesía

Cecilia Sotres: La pandemia ha agudizado la precarización de los artistas en México

La compañía Las Reinas Chulas cerrarán el Maratón Internacional de Cabaret, que tendrá lugar el 24 y 25 de octubre con "La Casa del papel… de Baño"

 

 

Miguel G. Galicia

Debido a la pandemia de covid-19 el Festival Internacional de Cabaret, ha transmutado a Maratón, y luego de varios ajustes de calendario, tendrá lugar el próximo fin de semana, y será en línea, por ello, Cecilia Sotres, fundadora de la compañía Las Reinas Chulas, que cerrarán con una función de su obra cabaretera "La Casa de Papel… de baño", habla de ese y otros temas.

  

Del otro lado de la pantalla, Sotres explica que la forma que en estos meses han ido adaptándose el público, las propias compañías teatrales, en una nueva interacción resultante de la lejanía impuesta por la Covid-19; la aplicación de las tecnologías en las artes escénicas; la transformación que ejercen hoy por hoy en éstas; del próximo Festival Internacional de Cabaret, el cual debido a la emergencia sanitaria ha tenido que ser pospuesto para 2021, porque justo cuando cumple 18 años, se vino lo que todos sabemos; en cambio, acota, para no dejar pasar tan importante fecha se realizará el Maratón el próximo sábado 24 y domingo 25 de octubre, vía remota, por supuesto, de 11 a 23:00 horas.

Y lo mejor, de manera gratuita a través de plataformas como Facebook o Zoom, salvo la función de la puesta "La Casa del Papel… de baño", y reitera que será la única con precio, pues "hay un teatro que mantener" —se refiere al Teatro Bar El Vicio—, pues no hay economía que aguante tantos meses sin percepciones.

 

Con una única función de “La Casa de Papel… de baño”, La compañía Las Reinas Chulas cerrarán el Maratón Internacional de Cabaret el sábado 24 de octubre, a las 21:00 horas por Cabarezoom 

Ese esfuerzo, comenta, ha sido posible con la complicidad de la UNAM, el Sistema de Teatros de la Ciudad de México y El Centro Cultural de España en México, y ha dado por resultado una cartelera de primera, en la que habrá talleres, mesas redondas, funciones, clases magistrales; con la participación de conferencistas, expertos y artistas como Gastón Alzate, Ximena cuevas, Hernán del Riego, Laura Gutiérrez, Leo Bass, Albert Pla, Natalia Cament, moneros, moneras, entre otros.

 

En entrevista Cecilia Sotres expone "que ha habido aprendizajes importantes en estos meses, con gente" con la que ha compartido experiencias, visiones, ideas. Una de esas lecciones que marcan a cualquiera, ha sido, que "estamos vinculados" los creadores; "que podemos hacer cosas desde la distancia", en sincronía.

 

Las nuevas formas de comunicación, considera, permiten en la actualidad a entes vivos de las artes, como el teatro, "llegar a lugares y públicos" que hasta hace poco eran impensables, y agrega que incluso mucha gente le pide a ella y a sus compañeras de viaje cabaretero que aunque se concrete el regreso a la vida presencial no desconecten las funciones vía Zoom.

 

Así, se ha ido creando un tipo de público, nuevo por donde se le vea, conformado por integrantes de generaciones noveles, y reitera que son los millennials, los que aceptan con mayor disposición esas nuevas formas.

 

Hasta ese punto de la charla todos ganan, pero cuando la charla llega al punto de las pérdidas, de lo que provoca la certeza de la finitud del ser humano ante la fuerza del coronavirus, ella comparte que ha tenido pérdidas, de gente cercana que ha fallecido por el SARS-CoV-2, y del confinamiento que golpea la economía de todos.

 

"Hay tristeza, dolor", y destaca que esta pandemia ha revelado la crudeza de "la precarización de los artistas, algo que ya sabíamos que existía, pero la agudiza".

 

Pero no se arredra, y contrapone, "la adaptación" del personal que participa en los proyectos artísticos como el suyo, cuyas habilidades primordiales, tradicionales, tuvieron que ser transformadas a las digitales, y ejemplifica que ahora mismo, ella, como muchos colegas, son en una misma función, "utileros, escenógrafos y, en su caso, actrices. Todo se complejiza", asegura.

 

Pero también le ve el lado positivo, esa adaptabilidad ha permitido arrojar luz de esperanza a todo esto.

 

Ella misma ha adaptado una habitación de su hogar en un cuarto, estudio, salón, escenario con pantalla verde, con luces, cámaras, micrófonos.

 

Y de ahí, la idea la lleva a explicar que esta época nos debe llevar a "cuestionar el sistema en el que estamos; que no nos hace bien, que no está bien aplastar al otro", y propone "cambiar nuestros hábitos de consumo". A repensar "nuestra relación con el medio ambiente".

 

Además de profesora, dramaturga, productora, directora y actriz, Cecilia Sotres es una Reina, cabaretera, y es Chula, y sabe muchas cosas, una de las más importantes, quizás, es que dice, mientras sonríe, afable, precisa en sus palabras, docente al fin y al cabo, todo esto pasará, aunque tarde otros meses más, "sin maquillaje diré que serán otros seis meses más" de confinamiento, y que de esta etapa habrá que hacer una reflexión.

 

La última frase que comparte desde ese recuadro que ofrece la App Zoom es de peso gallo: Como fue desde tiempos helénicos, y seguirá siendo, "las artes escénicas necesitan del intercambio energético".

Fotos: cortesía Factor 4, Comunicación

http://festivaldecabaret.com/?fbclid=IwAR027X6VYVXxbjyvnVQNaT22HrV1FPbgfsEiygRAcQUiimAjrmURbsltbpg

Habitantes de Zacatlán llevan la memoria del pueblo a la calle

El proyecto de vitromurales “Zacatlán de mis recuerdos”, que realizan 18 artistas plásticos y voluntarios autodidactas en Zacatlán de las Manzanas, Puebla, tiene varios objetivos: rescatar el espacio público; perpetuar la memoria del pueblo, a través de la reproducción de fotografías de los siglos XIX y XX; darle continuidad a otros murales que le precedieron, y embellecer “por puro amor al arte”, el pueblo, así lo señaló la maestra Maricarmen Olvera Trejo.




Esta propuesta plástica, que empieza a embellecer El Callejón del Hueso —que fue ampliado desde la calle Nigromante— a unas cuadras del centro del pueblo mágico, reproduce fotos antiguas, donadas en primera instancia por el amigo de Olvera Trejo, Juan Sánchez, pero después la comunidad se sumó, de manera generosa, con otras de sus archivos familiares. La más antigua data de 1880.



La participación ciudadana enriquece, con eso, tal apuesta y reafirma el sentido de pertenencia de un espacio que, durante muchos años fue evitado, debido a sus malas condiciones, pero que ahora mismo, permite el disfrute de sus habitantes, provocando más afluencia de viandantes, e incluso atrae a turistas que de otra manera no se habrían acercado a esa zona.



Así se crea, de poco a poco, un nuevo andador turístico que contará con 19 murales, con medidas que van en promedio de tres por tres metros y hasta seis por cuatro, el más grande; amén de que se impulsa la economía local pues vecinos ya empiezan a habilitar sus propias casas como tiendas, para ofrecen productos diversos.


Para ello las reproducciones requerirán aproximadamente más de un millón de piezas, cortadas a mano, de loseta, principal material que ha sido donado por las casas de construcción y vecinos.



Si bien no cuentan con financiamiento que alcance, aseveró Maricarmen Olvera para La Jornada, todos los participantes, artistas, vecinos y contribuyentes, lo hacen “por amor al arte”. “Cada uno da afuera de la casa, sin esperar nada a cambio; por el amor al pueblo; hay que hacerlo, es muy satisfactorio”, reiteró.


Agregó que el académico estadunidense Dick Davis, su amigo, es quien ha financiado con dinero propio tales proyectos, desde su arranque en 2014 esta, y lo sigue haciendo para la adquisición de herramientas.




Zacatlán de las Manzanas, pueblo mágico y de murales


La actualmente Regidora de Turismo y Desarrollo Económico, recordó que “Zacatlán de mis recuerdos”, nace como consecuencia del Primer Festival Internacional del Elote y del Maíz, efectuado hace cinco años, cuyo resultado fue el mural alusivo, que tenía el objetivo de plasmar la importancia de la tierra y esa planta, y fue creado en el Paseo de la Barranca, a un costado, del mirador.



“Invité a Dick Davis quien, desde California, me preguntó si tenía 50 dólares para pagarle a alguien para que nos enseñara a hacer los murales —porque nadie sabía hacerlo—, pero le dije que no tenía ni 10 dólares; así que él no vino, pero financió el viaje y al artista de Filadelfia, Isaiah Zagar, quien vino y nos enseñó la técnica para crear los vitromurales”, comentó.


Detalló que cuando el artista le mostró el boceto, “vi que era un grafitti, y me espanté, pero nos dijo espérense”, y lo uniformó con pintura. El resultado fue satisfactorio.




Ese mismo año ella propuso rescatar la historia del nombre del pueblo y, a través de una investigación que la llevó a encontrar que en el libro “Zacatlán El Imperio de la Pomona”, escrito por Jenaro Cabrera Oropeza en 1999, existe el primer registro del apelativo, Zacatlán de las Manzanas, el 7 de diciembre de 1714; siendo ese el documento más antiguo que trata el tema.


El texto puntualiza: “‘Le pedimos al alcalde mayor y al escribano no meterse en la elecciones de los naturales de San Pedro Zacatlán de las Manzanas’”.


Eso propició que se conmemorara, con la creación de un mural, 300 años de esa población, que refleja la principal actividad de la zona, el cultivo de manzanas, en la que también participan otras 58 comunidades, como Tomatlán, Xicolapa, San Pedro, Cacuila, San Miguel Tenango, Tetelancingo. En el vitromural quedaron escritos los nombres de esos poblados.


Maricamen Olvera Trejo continuó con la idea de los murales, y posteriormente fue creado “El Universo náhuatl”, el cual hiló la cosmogonía prehispánica, presente en la región. Resalta que las deidades están representadas y rematadas con la cabeza de Quetzalcóatl, montada en relieve, por el albañil Julio Cruz Nieto, uno de los voluntarios.




Otro más fue edificado en el exterior del cementerio municipal, para el que fueron diseñados 12 pasajes bíblicos.


Se hizo trabajo profundo de albañilería, se limpiaron los alrededores y se remozaron las paredes. Para eso convocó a la ciudadanía, nuevamente, a través de medios locales, a participar.


Zacatlán de mis recuerdos es pues, la coronación de una idea —“netamente ciudadana, no política”—, que busca recuperar la historia de un poblado mágico poblano, que inició Maricarmen Olvera Trejo, oriunda de Zacatlán de las Manzanas, la sexta hija, de 11, nacida el 28 de marzo de 1955.


Ella es hija del ingeniero Leonel Olvera Charolet, uno de los relojeros más importantes y célebres de la región, y más allá, pues durante la remodelación del Zócalo del pueblo, por parte de Arcelia Amador Gutiérrez, la única presidenta municipal que ha tenido esa demarcación, de 1984 a 1986, de quien fue secretaria particular, obsequió un reloj gigante, floral, como el que también construyó en el Parque Hundido de la Ciudad de México.


El proyecto ya rinde frutos pues además de haber cambiado las vida de sus calles, ha transformado la de los voluntarios que participan en su configuración —Miguel Díaz Guerrero, pintor, Luis Enrique Olvera Candelario, Raúl Sánchez Marchena y entre otros el albañil, José Julio Cruz Nieto— porque para todos se han abierto puertas y oportunidades que les permiten vivir de esta actividad, dado que ahora ya, con la experiencia adquirida a lo largo de los años, ofrecen sus servicios en otros lugares.



Trabajo publicado en La Jornada el 9 de dic 2019
https://www.jornada.com.mx/2019/12/09/estados/035n1est